0

Сальвадор дали краткая биография: творчество и жизнь

Испанский каталонский художник Сальвадор Дали краткая биография (1904-1989) прославился своими сюрреалистическими творениями и яркой жизнью. Инновационный и плодовитый, Дали производил картины, скульптуру, моду, рекламу, книги и кино. Его диковинные, перевернутые усы и странные выходки сделали Дали культурной иконой. Несмотря на то, что Сальвадор Дали не причислял себя к движению сюрреализма, он входил в число самых известных художников-сюрреалистов в мире.

Детство

Сальвадор Дали родился в Фигерасе, Каталония, Испания, 11 мая 1904 года. Сальвадор жил в тени другого сына, которого также звали Сальвадор. «Брат был, вероятно, первой версией меня, но слишком много думал, — написал Дали в своей автобиографии «Тайная жизнь Сальвадора Дали». Однако вскоре его брат умер. Дали верил, что он был перевоплощенным братом. Изображения брата часто появлялись на картинах Дали.

Автобиография Дали была довольно причудливой. Детство было наполнено яростью и беспокойством. Он утверждал, что откусил голову летучей мыши, когда ему было пять лет. Сальвадор дали краткая биография

Дали потерял свою мать из-за рака молочной железы, когда ему было 16 лет. Он писал: «Я не мог смириться с потерей существа, на котором были пятна моей души».

Родители Дали поддерживали его творчество. Его мать была дизайнером декоративных вентиляторов и коробок. Она развлекала ребенка творческими занятиями. Отец Дали, был адвокатом, очень строг и верил в пользу суровых наказаний. Он предоставил условия для обучения и организовал частную выставку рисунков Дали в их доме.

Когда Дали был еще подростком, он провел свою первую публичную выставку в Муниципальном театре в Фигерасе. В 1922 году он поступил в Королевскую академию художеств в Мадриде. За это время он выбрал имидж денди и выработал эксцентричное поведение, которые принесло ему славу в дальнейшей жизни. В Мадриде Дали встретил прогрессивных мыслителей, таких как: режиссер Луис Бунюэль, поэт Федерико Гарсия Лорка, архитектор Ле Корбюзье, ученый Альберт Эйнштейн и композитор Игорь Стравинский. Сальвадор дали краткая биография

Образование

Формальное образование Дали закончилось в 1926 году. Столкнувшись с устным экзаменом по истории искусств, он объявил: «Я бесконечно умнее этих трех профессоров, и поэтому я отказываюсь от них». Дали был быстро отчислен.

Отец Дали поддерживал творческие усилия молодого человека, но он не мог терпеть игнорирование сыном социальных норм. Раздор обострился в 1929 году, когда намеренно провокационный Дали написал картину «Священное сердце», на котором было написано: «Иногда мне плевать на портрет моей матери». Его отец увидел эту цитату в газете Барселоны и изгнал Дали из семейного дома.

Брак

Еще в свои 20 лет Дали влюбился в Елену Дмитриевну Дьяконову, жену сюрреалистического писателя Поля Элюара. Дьяконова, также известная как Гала, оставила своего мужа. Они обручались на гражданской церемонии в 1934 году и повторили свои клятвы на католической церемонии в 1958 году. Гала была на десять лет старше Дали. Она занималась его контрактами и другими делами, служила его музой и спутницей жизни.

У Дали были отношения с молодыми женщинами и эротические привязанности к мужчинам. Тем не менее он писал романтические, мистические портреты Галы. Она, в свою очередь, похоже, приняла неверность Дали.

В 1971 году протяженность их брака составила почти 40 лет. Гала жила в готическом замке 11-го века, который Дали купил для нее в Пуболе, Испания.

Страдая деменцией, Гала начала давать Дали лекарства без рецепта, которые повредили его нервную систему и вызвали тремор. В 1982 году она умерла в возрасте 87 лет и была похоронена в замке Пуболь. Глубоко подавленный, Дали жил там в течение оставшихся семи лет своей жизни.

У Дали и Галы никогда не было детей. Вскоре после их смерти женщина сказала, что она является биологической дочерью Дали, имеющей законные права на часть его имущества. В 2017 году тело Дали (с неповрежденными усами) было эксгумировано. Образцы были взяты из его зубов и волос. Тесты ДНК опровергли утверждение женщины.

Сюрреализм

Будучи молодым студентом, Сальвадор Дали рисовал во многих стилях, от традиционного реализма до кубизма. Сюрреалистический стиль, которым он прославился, появился в конце 1920-х и начале 1930-х годов.

Покинув академию, Дали совершил несколько поездок в Париж и встретился с Хуаном Миро, Рене Магриттом, Пабло Пикассо и другими художниками, которые экспериментировали с символическими образами. Дали также прочитал психоаналитические теории Зигмунда Фрейда и начал рисовать изображения из его снов. В 1927 году Дали закончил «Аппарат и рука», который считается его первой крупной работой в сюрреалистическом стиле.

Год спустя Дали работал с Луисом Бунюэлем над 16-минутным немым фильмом «Un Chien Andalou» (Андалузский пес). Парижские сюрреалисты выразили удивление по поводу сексуальных и политических образов фильма. Андре Бретон, поэт и основатель движения сюрреализма, пригласил Дали вступить в их ряды.

Вдохновленный теориями Бретона, Дали исследовал способы использования своего бессознательного ума, чтобы улучшить свое творчество. Он разработал «Метод творчества параноиков», в котором он вызывал параноидальное состояние и рисовал «фотографии снов». Этот метод использовался в самых известных картинах Дали, в том числе «Сохранение памяти» (1931) и «Мягкая конструкция с вареными бобами (Предчувствие гражданской войны)» (1936).

По мере роста его репутации, усы стали торговой маркой Сальвадора Дали.

Сальвадор Дали и Адольф Гитлер

В годы, предшествовавшие Второй мировой войне, Дали враждовал с Андре Бретоном и вступил в столкновение с участниками сюрреалистического движения. В отличие от Луиса Бунюэля, Пикассо и Миро, Сальвадор Дали публично не осудил рост фашизма в Европе.

Дали утверждал, что он не связывался с нацистскими убеждениями, и все же он писал, что «Гитлер возбуждает меня на самом высоком уровне». Безразличие Дали к политике и его провокационные сексуальные действия вызвали возмущение. В 1934 году его коллеги-сюрреалисты провели «испытание» и официально исключили Дали из своей группы.

Дали заявил: «Я сам сюрреализм» и продолжал заниматься проделками, призванными привлечь внимание и продать искусство.

«Загадка Гитлера», которую Дали завершил в 1939 году, выражает мрачное настроение эпохи и наводит на мысль о озабоченности восходящего диктатора. Психоаналитики предложили различные интерпретации символов, которые использовал Дали. Сам творец оставался неоднозначным.

Дали в США

Изгнанный европейскими сюрреалистами, Дали и его жена Гала отправились в Соединенные Штаты, где их рекламные трюки нашли готовую аудиторию. Дали предложили спроектировать павильон для Всемирной выставки 1939 года в Нью-Йорке. В павильоне были модели с обнаженной грудью и огромный образ обнаженной женщины, изображающей Венеру Боттичелли.

Павильон Дали «Мечта о Венере» представлял сюрреализм и искусство. Объединив изображения из почитаемого искусства эпохи Возрождения с грубыми сексуальными изображениями и образами животных, павильон бросал вызов и высмеивал устоявшийся художественный мир.

Дали и Гала жили в Соединенных Штатах в течение восьми лет, разжигая скандалы на обоих побережьях. Работы Дали появились на крупных выставках, в том числе на: «Искусство фантастики», «Дада», «Сюрреализм» в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Он также разрабатывал платья, галстуки, украшения, декорации, витрины магазинов, обложки журналов и рекламные изображения. В Голливуде Дали создал жуткую сцену снов для психоаналитического триллера Хичкока 1945 года «Зачарованный».

Поздние годы

Дали и Гала вернулись в Испанию в 1948 году. Они жили в доме-студии Дали в Порт-Ллигате в Каталонии, путешествуя зимой в Нью-Йорк или Париж.

В течение следующих тридцати лет Дали экспериментировал с различными средами и техниками. Он писал мистические сцены распятия с изображениями своей жены Галы как Мадонны. Он также исследовал оптические иллюзии и голограммы.

Восходящие молодые художники, такие как Энди Уорхол (1928-1987), восхваляли Дали. Они сказали, что его использование фотографических эффектов предсказало движение Поп-арта. Картины Дали «Сикстинская Мадонна» (1958) и «Портрет моего мертвого брата» (1963) выглядят как увеличенные фотографии с абстрактными массивами затененных точек. Изображения принимают форму при просмотре на расстоянии.

Тем не менее, многие критики и коллеги-художники отклонили более поздние работы Дали. Они сказали, что он потратил свои зрелые годы на китчевые, повторяющиеся и коммерческие проекты. Сальвадор Дали не считался серьезным художником, а был личностью, принадлежащей к популярной культуре.

Возобновление признательности за искусство Дали всплыло во время столетия его рождения в 2004 году. Выставка под названием «Дали и массовая культура» посетила крупные города Европы и США. Бесконечное шоу Дали и его работы в кино, дизайн одежды были представлены в контексте эксцентричного гения, переосмысливающего современный мир.

Театр-музей Дали

Сальвадор Дали умер от сердечной недостаточности 23 января 1989 года. Он похоронен в склепе под сценой театра-музея Дали (Театро-Музей Дали) в Фигерасе, Каталония, Испания. Здание, построенное по проекту Дали, стояло на месте Муниципального театра.

Театр-музей Дали содержит работы, которые охватывают карьеру художника, и включает в себя предметы, которые Дали создал специально для космоса. Само здание является шедевром, который считается крупнейшим в мире примером сюрреалистической архитектуры.

Посетители Испании могут также совершить поездку по замку Гала-Дали в Пуболе и студийному дому Дали в Portlligat.

Джексон Поллок

Джексон Поллок был художником, одним из лидеров авангардистского движения абстрактного экспрессионизма, и считается одним из величайших художников Америки. Его жизнь была прервана в возрасте сорока четырех лет в результате трагической автомобильной аварии, совершенной его собственными руками во время вождения в состоянии алкогольного опьянения. Несмотря на то, что он был в плохом финансовом положении на протяжении всей жизни, его картины сейчас стоят миллионы, при этом одна картина, № 5, 1948 года, была продана за 140 миллионов долларов в 2006 году через Sotheby’s. Он стал особенно известным за капельную роспись, радикально новую технику, которую он разработал.

Поллок был человеком, который жил тяжелой жизнью, долго находился в депрессии и отшельничестве, боролся с алкоголизмом, при этом был чувствительным и духовным. Он женился на Ли Краснер в 1945 году, которая тоже была уважаемым художником абстрактного экспрессионизма, она оказала большое влияние на его искусство, жизнь и наследие.

Друг и покровитель Поллока Альфонсо Осорио описал то, что является уникальным и неотразимым в творчестве Поллока, сказав о его художественном путешествии: «Здесь я увидел человека, который сломал все традиции прошлого и объединил их, который вышел за пределы кубизма, за пределы Пикассо и сюрреализма, его работы выражали как действие, так и созерцание».

ЛЕГЕНДА И ИСКУССТВО

Помимо его собственного художественного вклада, было несколько факторов, которые вместе помогли превратить Джексона Поллока в художественного титана и легенду. Его фотогеничный образ ковбоя был подобен изображению кинозвезды Джеймса Дина, и тот факт, что он погиб в результате скоростной автомобильной аварии на алкогольной вечеринке с любовницей и другим человеком в качестве пассажира, придавал его картине особую ценность. Обстоятельства его смерти и умелое обращение с имуществом его жены Ли Краснера помогли стимулировать рынок его работ и рынок искусства в целом.

В течение жизни Поллок часто был отшельником, соответствуя мифу об одиноком художнике и герое, которым Америка восхищалась после Второй мировой войны. Его популярность росла вместе с ростом арт-бизнеса и культуры в Нью-Йорке. Поллок приехал в Нью-Йорк в 1929 году, как раз когда музей современного искусства открылся и художественная сцена процветала. В 1943 году коллекционер / общественный деятель Пегги Гуггенхайм дала ему большой перерыв, заказав ему нарисовать фреску для фойе ее таунхауса в Манхэттене. Она заключила контракт на выплату ему 150 долларов в месяц, что позволило ему полностью сосредоточиться на живописи.

Картина «Фреска» вывела Поллока вперед в художественном мире. Это была его самая большая картина за всю историю, когда он впервые использовал домашнюю краску и, хотя все еще использовал кисть, экспериментировал со стряхиванием краски. Это привлекло внимание известного искусствоведа Клемента Гринберга, который позже сказал: «Я бросил один взгляд на картину и понел, что Джексон был величайшим художником в этой стране». После этого Гринберг и Гуггенхайм стали друзьями, защитниками и покровителями Поллока.

Некоторые даже говорили, что ЦРУ использовало Абстрактный Экспрессионизм в качестве оружия холодной войны, тайно продвигая и финансируя движение и выставки во всем мире, чтобы продемонстрировать интеллектуальный либерализм и культурную мощь США в отличие от идеологического гнета и жестокости коммунизма.

БИОГРАФИЯ

Он родился в Коди, штат Вайоминг, но вырос в Аризоне, штат Калифорния. Его отец был фермером, а затем землемером для правительства. Джексон иногда сопровождал своего отца в его поездках. Во время этих поездок он знакомился с искусством коренных американцев, которое впоследствии оказало влияние на его собственное. Однажды он вместе с отцом отправился в Гранд-Каньон, что, возможно, повлияло на его чувство масштаба и пространства.

В 1929 году Поллок последовал за своим старшим братом Чарльзом в Нью-Йорк, где он учился в Лиге студентов искусств под руководством Томаса Харта Бентона более двух лет. Бентон оказал большое влияние на работу Поллока. Он и еще один студент провели лето, путешествуя по западным Соединенным Штатам с Бентоном в начале 1930-х годов. Поллок встретил свою будущую жену, художника Ли Краснера, также абстрактного экспрессиониста.

Поллок работал в Ассоциации проектных работ с 1935 по 1943 год, и некоторое время работал техническим персоналом, пока Пегги Гуггенхайм не заказала его картину для своего таунхауса. Его первая персональная выставка произошла в галерее Гуггенхайма «Искусство этого века» в 1943 году.

Поллок и Краснер поженились в октябре 1945 года, и Пегги Гуггенхайм одолжила им аванс за их дом, расположенный в Спрингс на Лонг-Айленде. В доме был неотапливаемый сарай, в котором Поллок мог рисовать в течение девяти месяцев в году, и комната в доме, где Краснер тоже могла рисовать. Дом был окружен лесами, полями и болотами, что повлияло на работу Поллока. Об источнике своих образов Поллок однажды сказал: «Я — природа». У Поллока и Краснера не было детей.

У Поллока был роман с Рут Клигман, которая пережила автомобильную катастрофу. В декабре 1956 года ретроспектива его работ была проведена в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Другие крупные ретроспективы были проведены в 1967 и 1998 годах, а также в лондонской галерее Тейт в 1999 году.

СТИЛЬ ЖИВОПИСИ И ВЛИЯНИЕ

Многие люди предполагают, что они могли бы легко повторить Джексона Поллока. Многие говорят: «Мой трехлетний ребенок может это сделать!» По словам Ричарда Тейлора, который изучал работу Поллока с помощью компьютерных алгоритмов, уникальная форма и мускулатура телосложения Поллока способствовали определенным движениям, меткам и плавности на холсте. Его движения были тонко настроенным танцем, который неискушенному глазу мог показаться случайным и незапланированным, но был действительно очень сложным и нюансированным, очень похожим на фракталы.

Бентон и стиль регионализма сильно повлияли на то, как Поллок организовал свои композиции. На Поллока также оказали влияние мексиканский художник-монументалист Диего Ривера, Пабло Пикассо, Хуан Миро и Сюрреализм, которые исследовали подсознание и сновидения, а также автоматическую живопись. Поллок участвовал в нескольких сюрреалистических выставках.

В 1935 году Поллок провел семинар с мексиканским художником-монументалистом, который призвал художников использовать новые материалы и методы, чтобы оказать большее влияние на общество. Они включали разбрызгивание и разбрасывание краски, использование грубых текстур краски и работу с холстом, прикрепленным к полу.

Поллок принял этот совет близко к сердцу, и к середине 1940-х годов совершенно абстрактно рисовал на растянутом необработанном холсте на полу. Он начал рисовать в «капельном стиле» в 1947 году, отказываясь от кистей, и вместо этого капал, разбрызгивал и выливал эмалевую краску из банки, также используя палочки, ножи, мастерки и даже мясорубку. Он также мазал песок, битое стекло и другие текстурные элементы на холсте, одновременно рисуя плавными движениями со всех сторон холста.

КАПЕЛЬНЫЕ КАРТИНЫ

Поллок наиболее известен своим «капельным периодом», который длился между 1947 и 1950 годами и обеспечил его выдающуюся роль в истории искусства и роль Америки в мире искусства. Полотна были либо положены на пол, либо прислонены к стене. Эти картины были сделаны интуитивно, отвечая на каждый знак и жест, передавая самые глубокие эмоции и чувства его подсознания. По его словам, «У картины есть собственная жизнь. Я пытаюсь позволить этому воплотиться.

Многие из картин Поллока также показывают особый метод живописи. На этих картинах нет четких фокусов или чего-либо идентифицируемого. Хулители Поллока обвинили этот метод в невыразительности. Но для Поллока это не имело значения. Он создавал ритм и движения, жесты и знаки в картинах. Используя комбинации, интуицию и случайность, он создал порядок из того, что кажется хаотичным. Поллок утверждал, что он контролировал течение краски в процессе создания картин.

В августе 1949 года журнал Life опубликовал на Поллоке две с половиной страницы, в которых спрашивалось: «Является ли он величайшим живым художником в Соединенных Штатах?». В статье были представлены его крупномасштабные картины, известные во всем мире. Лавандовый туман (первоначально названный № 1, 1950, но переименованный Клементом Гринбергом) был одной из его самых известных картин и иллюстрирует слияние физического и эмоционального.

Однако вскоре после выхода статьи LIFE Поллок отказался от этого метода рисования. Эти картины состояли из блочных биоморфных картин. Кусочки не имели «сплошного» состава цветных капельных картин. К сожалению, коллекционеры не были так заинтересованы в этих картинах, и ни одна из них не была продана, когда он выставил их в галерее Бетти Парсонс в Нью-Йорке.

ВЗНОСЫ В ИСКУССТВО

Вклад Поллока в мир искусства был огромен. В течение своей жизни он постоянно рисковал и экспериментировал и сильно повлиял на авангардное движение. Его чрезвычайно абстрактный стиль, огромные масштабы, использование линий и пространства, а также исследование границ между рисунком и живописью были оригинальными и мощными.

Каждая картина имела уникальное время и место, результат уникальной последовательности интуитивной хореографии, которую нельзя повторить.

Сюррализм

Творческие мыслители всегда игрались с реальностью. В начале 20-го века сюрреализм возник как философское и культурное движение. Сюрреалисты, такие как: Сальвадор Дали, Рене Магритт и Макс Эрнст, вдохновленные учением Фрейда и мятежными работами художников и поэтов Дада, продвигали свободные ассоциации и образы сновидений. Художники, поэты, драматурги, композиторы и режиссеры искали способы освободить душу и раскрыть скрытые резервуары творчества.

Искусство из далекого прошлого может показаться сюрреалистичным современному глазу. Драконы и демоны населяют древние фрески и средневековые триптихи. Итальянский художник эпохи Возрождения Джузеппе Арчимбольдо (1527–1593 гг.) Использовал эффекты тромпеля, чтобы изобразить человеческие лица, сделанные из фруктов, цветов, насекомых или рыб. Голландский художник Иероним Босх (ок. 1450-1516) превратил домашних животных и предметы быта в ужасных монстров.

Сюрреалисты двадцатого века восхваляли Сад земных наслаждений и называли Босха своим предшественником. Художник-сюрреалист Сальвадор Дали, возможно, подражал Босху, когда он изобразил странную каменную форму лица в своем шокирующе эротическом шедевре «Великий мастурбатор». Однако жуткие изображения, нарисованные Босхом, не являются сюрреалистическими в современном смысле.

Восхитительно сложные и причудливые портреты Джузеппе Арчимбольдо были визуальными головоломками, предназначенными скорее для развлечения, чем для исследования бессознательного. Хотя картины ранних художников выглядят нереально, они отражают осознанную мысль и условности своего времени.

Сюрреалисты 20-го века восстали против условностей, моральных кодексов и запретов сознательного разума. Движение возникло из Дада, авангардного подхода к искусству, который издевался над истеблишментом. Марксистские идеи вызвали презрение к капиталистическому обществу и жажду социального восстания. Писания Зигмунда Фрейда предполагают, что высшие формы истины могут быть найдены в подсознании. Более того, хаос и трагедия Первой мировой войны породили желание оторваться от традиций и исследовать новые формы выражения.

В 1917 году французский писатель и критик Гийом Аполлинер использовал термин «surréalisme», чтобы описать парад, авангардный балет с музыкой Эрика Сати, костюмы и декорации Пабло Пикассо, а также историю и хореографию других ведущих художников. Соперничающие фракции молодых парижан воспринимали сюрреализм и горячо обсуждали значение этого термина. Движение официально началось в 1924 году, когда поэт Андре Бретон опубликовал Первый манифест сюрреализма.

Инструменты и техника художников-сюрреалистов

Ранние последователи движения сюрреализма были революционерами, которые стремились раскрыть человеческое творчество. Бретон открыл Бюро сюрреалистических исследований, где участники проводили интервью и собирали архив социологических исследований и изображений снов. В период с 1924 по 1929 год они опубликовали двенадцать номеров «La Révolutionsur réaliste», журнал воинственных трактатов, отчетов о самоубийствах и преступлениях, а также исследования творческого процесса.

Сначала сюрреализм был в основном литературным движением. Луи Арагон (1897–1982), Поль Элюар (1895–1952) и другие поэты экспериментировали с автоматическим письмом, чтобы освободить свое воображение.

Визуальные художники в движении сюрреализма полагались на рисовальные игры и различные экспериментальные методы, чтобы рандомизировать творческий процесс. Например, в методе, известном как декалькомания, художники наносили краску на бумагу, а затем терли поверхность, создавая узоры. Точно так же создание пуленепробиваемости включала в себя стрельбу чернилами по поверхности, а экобуссура — разбрызгивание жидкости на окрашенную поверхность, которую затем обтирали. Странные и часто юмористические сборки найденных объектов стали популярным способом создания сопоставлений, которые бросали вызов предвзятым взглядам.

Марксист, Андре Бретон считал, что искусство проистекает из коллективного духа. Художники-сюрреалисты часто работали над совместными проектами. В октябрьском выпуске Survéaliste La Révolution 1927 года были представлены работы, созданные в результате совместной деятельности под названием Cadavre Exquis или Exquisite Corpse. Участники по очереди писали или рисовали на листе бумаги. Поскольку никто не знал, что уже существует на странице, конечный результат был удивительным и абсурдным.

Сюрреалистические стили искусства

Визуальные художники в движении сюрреализма были разнообразной группой. Ранние работы европейских сюрреалистов часто следовали традиции Дада превращать знакомые предметы в сатирические и бессмысленные произведения искусства. По мере развития движения сюрреализма художники разрабатывали новые системы и методы для исследования иррационального мира подсознания. Возникли две тенденции: биоморфная (или абстрактная) и образная.

Фигуративные сюрреалисты произвели узнаваемое изобразительное искусство. Многие из фигуральных сюрреалистов находились под сильным влиянием Джорджио де Кирико (1888-1978), итальянского художника, который основал метафизическое движение. Они высоко оценили сказочные изображения заброшенных городских площадей с рядами арок, далеких поездов и призрачных фигур. Подобно де Кирико, фигуральные сюрреалисты использовали приемы реализма для создания поразительных галлюцинаторных сцен.

Биоморфные (абстрактные) сюрреалисты хотели полностью освободиться от условностей. Они исследовали новые медиа и создали абстрактные работы, состоящие из неопределенных, часто неузнаваемых форм и символов. Экспонаты сюрреализма, проводившиеся в Европе в течение 1920-х и начала 1930-х годов, представляли как фигуративный, так и биоморфные стили, а также работы, которые можно было бы классифицировать как дадаистские.

Великие художники-сюрреалисты в Европе

Жан Арп: родился в Страсбурге (1886-1966). Он был пионером Дада, который писал стихи и экспериментировал с различными визуальными средами, такими как: рваная бумага и деревянные рельефные конструкции. Его интерес к органическим формам и спонтанному выражению соответствовал сюрреалистической философии. Арп выставлял свои творения совместно с художниками-сюрреалистами в Париже и стал самым известным творцом. В 1930-х годах Арп перешел к непредписывающему стилю, который он назвал «Абстракция-Творчество».

Сальвадор Дали: испанский каталонский художник Сальвадор Дали (1904-1989) был охвачен движением сюрреализма в конце 1920-х годов и был исключен в 1934 году. Тем не менее, Дали приобрел международную известность как новатор, который воплотил дух сюрреализма, как в своем искусстве, так и в его ярком и непочтительном поведении. Дали проводил широко освещаемые эксперименты во сне, в которых он лежал в постели или в ванной, делая наброски своих видений. Он утверждал, что тающие часы в его знаменитой картине «Постоянство памяти» происходили от галлюцинаций, вызванных самим собой.

Поль Дельво: вдохновленный работами Джорджо де Кирико, бельгийский художник Поль Дельво (1897–1994) стал ассоциироваться с сюрреализмом, когда он писал иллюзорные сцены с полуобнаженными женщинами, прогуливающимися во сне по классическим руинам. Например, в Л’Ауроре («Перерыв дня») женщины с древовидными ногами стоят на корню, когда загадочные фигуры движутся под далекими арками, поросшими лозой.

Макс Эрнст: немецкий художник многих жанров (1891-1976) вырос из движения Дада, чтобы стать одним из самых ранних и ярых сюрреалистов. Он экспериментировал с автоматическим рисованием, коллажами, нарезками, вкраплениями (растирание карандашом) и другими методами для достижения неожиданных сопоставлений и визуальных каламбуров. Его картина 1921 года Celebes помещает безголовую женщину со зверем, который является частично машиной, частично слоном. Название картины от немецкого детского стишка.

Альберто Джакометти: скульптуры швейцарского сюрреалиста Альберто Джакометти (1901–1966) выглядят как игрушки или примитивные артефакты, но в них есть тревожные ссылки на травму и сексуальные навязчивые идеи. Femme égorgée (Женщина с перерезанным горлом) искажает анатомические части, создавая одновременно ужасающую и игривую форму. Джакометти отошел от сюрреализма в конце 1930-х годов и стал известен образными изображениями вытянутых человеческих форм.

Paul Klee: немецко-швейцарский художник Paul Klee (1879-1940) происходил из музыкальной семьи. Он наполнил свои картины личной иконографией музыкальных нот и игривых символов. Его работа наиболее тесно связана с экспрессионизмом и баухаузом. Тем не менее, участники движения сюрреализма восхищались тем, как Клее использовал автоматические рисунки для создания картин.

Рене Магритт: Движение сюрреализма уже развивалось, когда бельгийский художник Рене Магритт (1898-1967) переехал в Париж и присоединился к движению. Он стал известен благодаря реалистичным изображениям галлюцинаторных сцен, тревожных сопоставлений и визуальных каламбуров. Например, «Убийца-убийц» помещает спокойных людей в костюмах и шляпах-котелках посреди ужасного нового криминального места преступления.

Андре Массон. Получив травму во время Первой мировой войны (1896-1987) стал одним из первых последователей движения сюрреализма и активным сторонником автоматического рисования. Он экспериментировал с наркотиками, пропускал сон и отказывался от еды, чтобы ослабить его сознательный контроль над движениями. В поисках спонтанности Массон также бросал клей и песок на холсты и рисовал формы. Хотя Массон в конце концов вернулся к более традиционным стилям, его эксперименты привели к новым, выразительным подходам к искусству.

Джоан Миро: Художник, печатник, коллажист и скульптор Джоан Миро (1893-1983) создал яркие, биоморфные формы, которые, казалось, всплывали из воображения. Миро использовал рисование и автоматический рисунок, чтобы разжечь его творчество. Femme et oiseaux (Женщина и птицы) из серии «Созвездия Миро» предлагает личную иконографию, которая одновременно узнаваема и странна.

Мерет Оппенхейм: Среди многих работ этого художника были настолько возмутительные произведения, что европейские сюрреалисты приняли ее в свое сообщество. Оппенгейм выросла в семье швейцарских психоаналитиков, и она следовала учению Карла Юнга. Ее пресловутое творение «Объект в Мехе» (также известный как Обед в Мехе) объединил зверя (мех) с символом цивилизации (чайная чашка). Тревожный гибрид стал известен как воплощение сюрреализма.

Пабло Пикассо: Когда возникло движение «Сюрреализм», испанский художник Пабло Пикассо (1881–1973) был уже известен как прародитель кубизма. Кубические картины и скульптуры Пикассо не были получены из снов, и он лишь обогнул грани движения сюрреализма. Тем не менее, его работа выражала спонтанность, которая соответствовала сюрреалистической идеологии. Пикассо выставлялся с художниками-сюрреалистами. Его интерес к иконографии и примитивным формам привел к серии все более сюрреалистических картин. Например, «На пляже» (1937) помещает искаженные человеческие формы в сновидения. Пикассо также написал сюрреалистическую поэзию, состоящую из фрагментированных изображений, разделенных черточками.

Ман Рэй: Эммануэль Радницки (1890-1976) родился в Соединенных Штатах, был сыном портного и швеи. Семья приняла имя «Луч», чтобы скрыть свою еврейскую идентичность в эпоху интенсивного антисемитизма. В 1921 году Ман Рэй переехал в Париж, где он приобрел вес в сюрреалистических движениях. Работая в различных СМИ, он исследовал интересных личностей. Это развило в нем творческий потенциал. Его рентгенограммы были жуткими изображениями, созданными путем помещения объектов непосредственно на фотобумагу.

Ман Рэй также был известен странными трехмерными конструкциями. Его творение «Объект» сочетал метроном с фотографией женского глаза. По иронии судьбы оригинальное творение было утеряно во время выставки.

Ив Танги: Еще в подростковом возрасте, когда появилось слово surréalisme, художник французского происхождения Ив Танги (1900-1955) научился рисовать галлюцинаторные геологические изображения, которые сделали его иконой движения сюрреализма. Сновидения, подобные «Le soleil dans son écrin» («Солнце в драгоценном футляре»), иллюстрируют увлечение Танги первобытными формами. Многие реалистично воспроизведенные картины Танги были вдохновлены его путешествиями по Африке и юго-западу США.

Сюрреалисты в Америке

Сюрреализм как художественный стиль пережил культурное движение, основанное Андре Бретоном. Страстный поэт и бунтарь исключал членов этого движения, если они не разделяли его взглядов. В 1930 году Бретон опубликовал Второй Манифест Сюрреализма, который выступал против сил материализма и осуждал художников, не принимающие коллективизм. Сюрреалисты образовали новые альянсы. В преддверии Второй мировой войны многие отправились в Соединенные Штаты.

Выдающийся американский коллекционер Пегги Гуггенхайм (1898-1979) выставляла сюрреалистов, в том числе Сальвадора Дали, Ива Танги и ее собственного мужа Макса Эрнста. Андре Бретон продолжал писать и продвигать свои идеалы до своей смерти в 1966 году, но к тому времени марксистская и фрейдистская догма исчезла из сюрреалистического искусства. Стремление к самовыражению и свободе от ограничений рационального мира привел к абстрактному экспрессионизму.

Несколько женщин-художников заново открыли сюрреализм в Соединенных Штатах. Кей Сейдж (1898-1963) писала сюрреалистические сцены из крупных архитектурных сооружений. Доротея Таннинг (1910-2012) получила признание за фотореалистичные картины сюрреалистических изображений. Французско-американский скульптор Луиза Буржуа (1911-2010) включила архетипы и сексуальные темы в очень личные работы и монументальные скульптуры пауков.

В Латинской Америке сюрреализм смешался с культурными символами, примитивизмом и мифом. Мексиканская художница Фрида Кало (1907-1954) отрицала, что она была сюрреалистом, рассказывая журналу Time: «Я никогда не рисовала сны. Я нарисовал свою собственную реальность». Тем не менее, психологические автопортреты Фриды Кало обладают потусторонними чертами сюрреалистического искусства и магического реализма.

Бразильский художник Тарсила ду Амарал (1886-1973) производила творения, состоящие из биоморфных форм, искаженных человеческих тел и культурной иконографии. Картины Тарсила-ду-Амарал, пропитанные символикой, можно смело назвать сюрреалистическими. Однако мечты, которые они выражают, являются мечтами всей нации. Как и Кало, она разработала особый стиль.

Хотя сюрреализм больше не существует как формальное движение, современные художники продолжают исследовать образы снов, свободную ассоциацию и возможности случайности.

DenZ

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *